Proyectos individuales
Borderline (o lo que esta más allá de la línea)
Back to back
Elijo mi propia aventura. El agua en la casa
Proyectos curatoriales de Germina Campos
Un minuto que no tiene sesenta segundos
Artistas etc.
Pares discontinuos
BORDERLINE (O LO QUE ESTÁ MÁS ALLÁ DE LA LÍNEA)
Curaduria
Cintia Clara Romero
Borderline
Por: Cintia Clara RomeroEl término borderline refiere a una psicopatía vinculada al trastorno de la personalidad que se caracteriza por una inestabilidad generalizada del estado de ánimo, de la autoimagen y de la conducta(dicen por ahí).
Ahora,
volviendo sobre las obras que nos convocan, digo…
Sobre la línea hay una chica que se
sienta en un living a conversar con una planta. Otra que hace pilas suicidas
con la vajilla que le regalaron para su casamiento. Otra que produce una fugaz
cascada de leche en un canal de Ámsterdam. También hay un chico que repite
incansablemente que no tiene nada para decir. Otro que no dice nada y mira
inquietantemente a la cámara. Hay otro que canta su intimidad en soledad. Otro
que barre desechos pintados por el mismo, y otro que gira incansable alrededor
de una señal.
Hasta aquí todo parece desquicio. Pero
tal vez no lo sea.
Al menos, el borde definido por la
línea determina lo que esta más acá y más allá de ese límite, y cruzar la
frontera -después del extrañamiento inicial- nos posibilita acceder a ese otro
lado en el que los videos nos devuelven la confianza de que detrás de un simple
gesto puede esconderse una idea en estado de gracia.
Esta selección presenta la obra de
ocho artistas que encuentran en el desarrollo de acciones irracionales,
inútiles y sin sentido aparente el medio para dar vía libre a una serie de
intuiciones estéticas que encuentran finalmente, dentro del campo del arte,
algún grado de estructuración, removiendo estándares del lenguaje, habilitando
sentido.
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BACK TO BACK
E
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ELIJO MI PROPIA AVENTURA- EL AGUA EN LA CASA
BACK TO BACK
Curaduria
Nuevo Video Argentino es una plataforma para promover y difundir la producción de video arte argentino.
La Copia Infiel indaga la visibilidad, el acceso y la circulación del video contemporáneo. Edita series de compilados con videos de artistas que participan del proyecto, que luego son exhibidos en diversos circuitos.
Las dos selecciones que se presentan: Bordeline (o lo que está mas allá de la línea), propuesta por Cintia Clara Romero (Santa Fé) y Crudo y Exquisito propuesta por Soledad Dahbar (Salta) son proyectos que se presentaron con anterioridad en el Centro Cultural España-Buenos Aires.
Soledad Dabhar- Cintia Clara Romero- Nuevo Video Argentino- La copia infiel
Back to back
Por: Soledad Dabhar- Coordinadora del proyecto
La expresión back to back se refiere a
alguna cosa que sucede a otra sin interrupción, algo continuo, consecutivo.
También se llama así cuando dos o mas
DJ’s van tocando un tema cada uno y así, en la combinación de estilos, se va
armando la fiesta.
Bueno, ésta muestra propone algo
similar pero con videos (también en diálogo con otras disciplinas, performance,
por ejemplo). Una fiesta donde imagen y sonido constituyen la base del
intercambio.
Se presentan dos proyectos de videos,
La copia Infiel y Nuevo Video Argentino. Ambos apuestan por una trama que
conecta a muchos artistas que trabajan con este formato. Luego hay dos
selecciones, una de Cintia Romero, Borderline (o lo que está mas allá de la
línea) y otra mía, Crudo y exquisito, que fueron presentadas en el Centro
Cultural España-Buenos Aires, en el año 2009, por encargo de ésta institución.
Lo interesante de esta muestra es la
red que se va tejiendo, la diversificación y el entrecruzamiento de los
artistas y sus obras. El encuentro plantea esto, y esto es lo que pasa con el
arte contemporáneo todo el tiempo, funciona como una base desde donde
entrecruzarse, enredarse, expandirse y seguir. Como resultado hay artistas que
participan a su vez de dos o más propuestas dentro de Back to Back. Esto no es
intencional, esto es lo que va pasando.
Back to back también significa espalda
con espalda, que hallo es una imagen muy generosa para nombrar la forma en que
los artistas se encuentran, comparten y sostienen sus proyectos. Otra
significado posible es volver y volver, como un loop infinito, posibilidad
preciosa del video. Tiene también un sentido en economía pero esto no viene al
caso.
Luego está la anacronía. Como es una red informe, por la variedad de videos que se presentan; por el cruce con otras disciplinas; por el puesto de venta de compilados de videoarte a precios increíbles, el público puede andar de una sala a otra y así armar su propio recorrido, su propio relato.
Luego está la anacronía. Como es una red informe, por la variedad de videos que se presentan; por el cruce con otras disciplinas; por el puesto de venta de compilados de videoarte a precios increíbles, el público puede andar de una sala a otra y así armar su propio recorrido, su propio relato.
De esta forma Back to Back puede
entenderse como una gran muestra que acerca las producciones en video mas
actuales.
Nuevo Video Argentino es una plataforma para promover y difundir la producción de video arte argentino.
Desde el 2010 la NVA desarrolla
proyectos de muestra y gestión para hacer visible el panorama de artistas
trabajando en este medio.
La NVA es un emprendimiento encabezado
por Florencia Levy, Guido Yannitto, Mónica Heller, Luciana Lamothe y Estanislao
Florido.
La Copia Infiel indaga la visibilidad, el acceso y la circulación del video contemporáneo. Edita series de compilados con videos de artistas que participan del proyecto, que luego son exhibidos en diversos circuitos.
Como es habitual en sus
presentaciones, realizan proyecciones de los compilados intercaladas con
propuestas performáticas y sonoras del colectivo. Es en este marco que Mario
Córdoba, artista cafayateño, realiza una performance, La imagen del donante.
A La copia Infiel le interesa la
convivencia con otras prácticas del arte, favorecer los cruces, encontrar otros
públicos. En este acercamiento a la escena salteña, propone generar vínculos
con más artistas locales y favorecer intercambios con proyectos que puedan
potenciarse mutuamente.
El proyecto es coordinado por Carolina Andreetti y Toia Bonino.
El proyecto es coordinado por Carolina Andreetti y Toia Bonino.
Las dos selecciones que se presentan: Bordeline (o lo que está mas allá de la línea), propuesta por Cintia Clara Romero (Santa Fé) y Crudo y Exquisito propuesta por Soledad Dahbar (Salta) son proyectos que se presentaron con anterioridad en el Centro Cultural España-Buenos Aires.
BORDERLINE
(O LO QUE ESTÁ MÁS ALLÁ DE LA LÍNEA). Cintia Clara Romero
El término borderline refiere a una
psicopatía vinculada al trastorno de la personalidad que se caracteriza por una
inestabilidad generalizada del estado de ánimo, de la autoimagen y de la
conducta (dicen por ahí).
Ahora, evocando algunas de las piezas
de video que nos convocan, digo…
Sobre la línea hay una chica que intenta aprender a surfear en su departamento montada en un banquito de madera. Otra que hace pilas suicidas con la vajilla que le regalaron para su casamiento. Otra que produce una fugaz cascada de leche en un canal de Ámsterdam. También hay un chico que dibuja un retrato en el aire. Otro que barre desechos pintados por el mismo, y otro que gira incansable alrededor de una señal. Y así, más chicas y chicos desarrollan acciones fronterizas, inquietantes y trastornadas.
Sobre la línea hay una chica que intenta aprender a surfear en su departamento montada en un banquito de madera. Otra que hace pilas suicidas con la vajilla que le regalaron para su casamiento. Otra que produce una fugaz cascada de leche en un canal de Ámsterdam. También hay un chico que dibuja un retrato en el aire. Otro que barre desechos pintados por el mismo, y otro que gira incansable alrededor de una señal. Y así, más chicas y chicos desarrollan acciones fronterizas, inquietantes y trastornadas.
Hasta aquí todo parece desquicio. Pero
tal vez no lo sea.
Al menos, el borde definido por la
línea determina lo que esta más acá y más allá de ese límite, y cruzar la
frontera -después del extrañamiento inicial- nos posibilita acceder a ese otro
lado en el que los videos nos devuelven la confianza de que detrás de un gesto
absurdo puede esconderse una idea en estado de gracia.
Esta selección presenta la obra de
artistas que encuentran en el desarrollo de acciones irracionales, inútiles y
sin sentido aparente el medio para dar vía libre a una serie de intuiciones
estéticas que encuentran finalmente, dentro del campo del arte, algún grado de
estructuración, removiendo estándares del lenguaje, habilitando sentido.
E
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ELIJO MI PROPIA AVENTURA- EL AGUA EN LA CASA
Artistas
ART DJS (Ponchi, Rodrigo Díaz, D.J.
Buenmozo), Fernanda Aquere, Sandra Carriel, Rosana Storti, Lacho Vallejo,
Lucrecia Pelliza y Fernando Callero
Curaduría
Cintia Clara Romero
la Casa
Trece , a la que han sido invitados para desarrollar sus
proyectos.
Elijo mi propia aventura. El agua en la casa
Por: Cintia Clara Romero
El agua en la casa supone la relación directa entre uno de los elementos arquetípicos
del paisaje litoraleño, del cual provienen los artistas convocados, y la acción
intervencionista de los mismos en
Pero más allá de esta primera consideración que puede funcionar como
nexo entre los dos artífices de esta experiencia (los artistas santafesinos,
por un lado, y la casa que funciona como cobijo de sus proyectos, por otro), me
detengo, observo el paisaje y me entrego al suave recorrido de mis ríos.
Su curso es casi imperceptible. Aquí parece que nada se agita, que
nada pasa, que el agua está detenida, hasta que un camalote entra en el campo
visual y sigo su andar. Entonces sí, en ese momento, el río evidencia su
movimiento. Desde la arena lo siento lento, suave, impávido, inmutable. No hay
piedras que desvíen su rumbo, ni irregularidades en el terreno que alteren su
camino. Pero ahí está, siempre corriendo, aunque la aceleración de lo que
sucede a su alrededor nos dificulte detenernos en su leve transcurrir, que
parece suceder en una microesfera donde todo pasa, pero parece no verse.
*Si elijes continuar esta aventura yendo por el
vado, pasa directamente a II, si te animás a hacerle frente al torrente del
cause y a las zonas barrosas del bañado sumérgete directamente en I. ¡Buena
Suerte!
I
Este río cíclicamente se altera y lo leve se hace monstruo y lo manso
se vuelve contra todos. Invade dejando huellas y arrasa con todo imponiendo un
nuevo comienzo. El agua entra en las casas costeras (y no tan costeras
también); sus habitantes se retiran, el agua se retira, y los habitantes
vuelven a entrar. Un ejercicio que se repite una y otra vez, como una especie
de obstinación por la fatalidad, como la elección por convivir con la dificultad.
Así imagino a los artistas convocados, trabajando con el agua en la
casa, en continua situación de emergencia. Esos son los que me interesan: los
impulsados a la creación más allá de las características del contexto y las
posibilidades alentadoras que este brinde; los que trabajan con lo que hay, con
los pies metidos en el agua, inundados unas veces, a punto de ahogarse otras,
pero que siguen imparables haciendo frente a la adversidad con la obra como
energía poderosa.
Tener el agua en la casa, ya sea por el drama de una inundación o por
la pequeña desgracia cotidiana de tener goteras, por ejemplo, es una situación
que produce cambios, que altera, que moviliza el curso de las cosas. Por eso
pienso en Fernanda, Rosana, ART DJS (Ponchi, D.J. Buenmozo y Rodrigo), Fernando, Sandra,
Lucrecia y Lacho, en sus ideas y
acciones. Ellos
hacen de sus prácticas artísticas una labor sinfín de carácter multiplicador,
expansionista y desprendido, donde se entretejen sus producciones individuales,
con proyectos colectivos de creación y gestión, organización de situaciones de
intercambio entre artistas y proyección de espacios de formación. Más allá de
los diferentes niveles de impacto que estas acciones tienen (y por más que a
veces se tornen invisibles), cada uno de ellos participa activamente de las
problemáticas de su contexto, dando respuesta y dialogando, con el deseo de
modificar el estado de las cosas para provocar mayor “bienestar” en todos
aquellos que hacen de la experiencia estética, asumida como un riesgo, su
alimento.
Proyectos autogestionados como Germina
Campos, la Casa Roza ,
Eventual Feria Móvil, Ciclos de encuentros de poesía, Simposium y ART DJS, los
cuales están impulsados y coordinados por los artistas participantes de la
muestra se han constituido, en los últimos años, en la reacción constructora a
la falta de espacio institucional para las nuevas demandas e intereses
vinculados con las prácticas artísticas contemporáneas en la ciudad de Santa
Fe.
Mientras evoco sus obras me pregunto:
¿qué provoca que estos artistas no claudiquen y sigan trabajando en el agua,
cuando muchas veces su práctica no es reconocida? Y me maravillo respondiéndome
al instante que parecen estar impulsados por el poder inagotable de quien es
conciente de las situaciones adversas y las transforma con el deseo y la
convicción de que otra realidad es posible.
De manera consciente, con creatividad
y curiosidad, ofrecen una mirada que nos habla de la aventura de vivir en
emergencia, por eso me arremango los pantalones y me pongo también, balde en
mano, a seguir sacando el agua de la casa.
II
Este río fluye lento, pero nunca se detiene. Circula casi estatuado,
pero nunca es el mismo. Se adapta a todo los terrenos, conquista superficies,
refresca y brinda alimento. Así entiendo que es la obra de los artistas
convocados, así como
el agua: avanza más allá de los límites institucionales y del mercado, se
desliza en Internet, fluye en espacios no imaginados, se adapta a diferentes
soportes, circula sin prisa, adopta diferentes formatos.
Desde hace años Fernanda, Rosana, ART DJS (Ponchi, D.J. Buenmozo y
Rodrigo), Fernando,
Sandra, Lucrecia y Lacho trabajan
dejando correr sus acciones y pensamiento por canales diversos. Con
flexibilidad articulan mecanismos que les permiten hacer circular sus producciones
en espacios institucionales, privados e independientes, en páginas web, blogs,
fotologs, flircks y my spaces, en fiestas, en casas y en campos.
Me asomo al futuro e imagino el cuarto cruce del año en Casa Trece.
Pienso que los artistas serán como un río que pasará dejando algunas señales que permanecerán
durante el transcurso de la muestra. Imagino la casa y trato de pensar en las
obras que la habitarán. Creo que aún no tengo certezas… creo que me interesan
más los artistas que las obras.
Digo creo y sigo pensando en eso. ¿Por qué me interesan más los
artistas que las obras? Aún no quiero arriesgar una respuesta, mejor sigo
buscándola. Pablo
Picasso decía: “yo no busco, encuentro”, yo prefiero buscar, encontrar, ¡que
aburrido!
///
UN MINUTO QUE NO TIENE SESENTA SEGUNDOS
Artistas
León Ferrari, Horacio Zabala, Nicolás Balangero, Mariana de Matteis, Emilse Barbosa, Lali Martínez, Luciano Burba, Claudia del Río, Ponchi, Lorraine Green, Luciano Ominetti, Cecilia Orso, Cintia Clara Romero, Fernanda Aquere, Rubén Marino Tolosa, Diego Vergara, Rosana Storti
Curaduría
Germina CamposLeón Ferrari, Horacio Zabala, Nicolás Balangero, Mariana de Matteis, Emilse Barbosa, Lali Martínez, Luciano Burba, Claudia del Río, Ponchi, Lorraine Green, Luciano Ominetti, Cecilia Orso, Cintia Clara Romero, Fernanda Aquere, Rubén Marino Tolosa, Diego Vergara, Rosana Storti
Curaduría
Un minuto que no tiene sesenta segundos
Por: Cintia Clara Romero
Hace tiempo no me sentaba justo aquí
en el punto equidistante a todos los puntos que forman el jardín. Elevo la
cabeza y veo un trozo de pleno cielo y muchos pedacitos semicelestes que
aparecen entre las hojas del cafeto que ya casi todo lo cubre. Repentinamente
me doy cuenta de su voraz crecimiento, como así también, en ese mismo instante,
me detengo en el modo bello en el que se relacionan las plantas de aquel
rincón. Una hoja parece apoyarse en otra, y así solidariamente van construyendo
un sistema de formas que me parece se acerca a lo que entiendo por perfecto.
El verano parece haber alcanzado su
plena dimensión y temo que ciertos vientos cálidos atenten contra el verde por
eso comienzo a hacer algunos planes. Ubico el regador en la parte noroeste y
cada quince minutos lo iré corriendo hasta cubrir toda la superficie. Si el
jardín tiene casi veinticinco metros cuadrados y la pequeña llovizna
artificial, a falta de presión, moja en un diámetro de metro y medio, calculo
que esta tarea me demandará aproximadamente tres horas. Esta es la única cita a
la que tengo que responder esta tarde en la que mi agenda es un sinsentido; y
eso de ser ama y señora del tiempo, debo admitir, es un desafío al que tengo
que responder con valentía y creatividad.
Corro por quinta vez la flor de agua y
sigo mirando, esta vez, el encadenamiento sutil que existe entre la rama, el
tallo y las hojas del laurel. Tallo hoja, tallo hoja, hoja tallo, línea que se
vuelve sobre sí formando otra hoja y sigue.
Una imagen conduce a una idea y esa a
otras, una idea se vuelve sobre otra y se entrelazan todas del mismo modo bello
que la enredadera del rincón. Hoy la percepción sutilizada de las cosas que
siempre estuvieron aquí se manifiesta en un tiempo otro donde un minuto parece
no tener sesenta segundos.
///
Un minuto que no tiene sesenta
segundos
es un proyecto curioso sostenido por el deseo de conocer qué hicieron algunos
de los artistas que más nos gustan durante el verano. Sea este un tiempo
sabático, de descanso, o uno más en nuestra agenda laboral cierta idea de
atemporalidad parece contagiar los días. Si no somos nosotros los dichosos de
poder disfrutar de una temporada de vacaciones, seguramente otros sí y esos
otros determinan un cambio de frecuencia. Sospechamos que es una especie de
recreo donde el tiempo libre y de ocio potencian el surgimiento de nuevas
ideas, la experimentación o simplemente el hacer despojado de pretensiones.
Nos movilizó la idea de obra (aún) “no
reconcida”. Aquellos trabajos que aparecen y los dejamos en una especie de
limbo privado sometido a las pruebas del pensamiento. Deseamos liberarlos de
ese estatus y simplemente disfrutarlos. Ejercicios, experimentos, producciones
hijas del puro placer o simplemente trabajos que continúan con el desarrollo de
proyectos anteriores presentan León Ferrari, Horacio Zabala, Nicolás Balangero,
Mariana de Matteis, Emilse Barbosa, Lali Martinez, Luciano Burba, Claudia del
Río, Ponchi, Lorraine Green, Luciano Ominetti, Cecilia Orso, Cintia Clara
Romero, Fernanda Aquere, Rubén Marino Tolosa, Diego Vergara y Rosana Storti, en
esta muestra.
Deseamos reunir en el muro de una
marquetería las producciones de amigos a cuyo trabajo siempre seguimos
atentamente, las de otros artistas que no conocemos pero nos encantan y las de
aquellos a los que admiramos eternamente y agradecemos el gesto poderoso de
haber aceptado la invitación.
Así como en Facebook, sólo que ya no
en una modalidad virtual sino física, subiremos al muro obras realizadas
durante este segmento laxo de tiempo que son las vacaciones, con el propósito de
compartir lo que hacemos, conquistar amigos, consolidar lazos y alentar
posibles proyectos en conjunto. Otros visitaran y dejarán sus comentarios, y
seguramente desearemos ¡hacernos fan de alguno!
De este modo deseamos celebrar la
culminación del Proyecto Estaciones que desde diciembre de 2006 Germina Campos
desarrolla en espacios no convencionales de exhibición. Debido a que uno de los
pilares de nuestro funcionamiento es el nomadismo en este tiempo nos
apropiarnos de las posibilidades que brinda la web, como así también del
espacio público y comercial para desarrollar 8 proyectos que han involucrado a
74 artistas de 9 provincias de la
Argentina , así como también de Bolivia, Perú y México.
///
ARTISTAS ETC. MUESTRA Y ENCUENTRO DE ARTISTAS GESTORES
Artistas
Anibal Buede, Casa Trece / Gustavo López y Ana Porchilote, Espacio Vox / Alejandra Hernández y Fernanda Hernández, Estudio 13 /Francisco Riveros, La mandorla / Julia Acosta, Francisco Vásquez y Marco Bainella, Parientes del Mar / Maximiliano Peralta y Mauro Koliva, Macunam (MACUNaM), La Baulera.
Espacios auogestionados
Anibal Buede, Casa Trece / Gustavo López y Ana Porchilote, Espacio Vox / Alejandra Hernández y Fernanda Hernández, Estudio 13 /Francisco Riveros, La mandorla / Julia Acosta, Francisco Vásquez y Marco Bainella, Parientes del Mar / Maximiliano Peralta y Mauro Koliva, Macunam (MACUNaM), La Baulera.
Espacios auogestionados
Curaduría
Germina Campos
Artistas etc.
Por: Germina Campos
Durante los últimos diez años, el mapa dela Argentina
fue testigo del surgimiento de iniciativas de artistas que se reunieron en su
ciudad de origen con el compromiso de asumir responsabilidades colectivas sobre
la comunidad cultural que conforman, construyendo proyectos que se multiplicaron
en todas las regiones. La ausencia de espacios que pudieran contener sus
producciones e intereses hizo que muchos de ellos tomaran la decisión de producir
nuevos contextos, tales como, espacios de exhibición, de perfeccionamiento, o
comercialización, lugares para el desarrollo de propuestas curatoriales, residencias
de artistas o museos.
Durante los últimos diez años, el mapa de
Podemos decir que el panorama
artístico nacional, estuvo definido con el devenir del nuevo milenio, por la
proliferación de programas, organizaciones y emprendimientos impulsadas por
artistas quienes, más allá de dedicarse a la producción de sus obras de manera
individual, comenzaron a generar plataformas de acción colectiva.
En este marco, y con la intención de
aportar a la escena artística santafesina nuevas miradas y experiencias, concebimos
“Artistas etcétera: muestra y encuentro
de artistas gestores”, para cuyo propósito nos apropiamos del concepto
desarrollado por el artista (etc.) Ricardo
Basbaum[1]
quien en su texto “Amo a Los artistas-etc.” dice: Cuando un artista es un
artista de tiempo completo, podríamos llamarlo artista-artista, cuando el
artista cuestiona la naturaleza y función de su rol, podríamos decir que es un
artista-etc.; es decir, un artista que no sólo desarrolla un
rol social a través de su obra, sino también con su hacer, ligado a otras
experiencias, tales como la gestión, la docencia, la curaduría y la producción
teórica.
Para llevar a
cabo el proyecto, convocamos a
ocho iniciativas de artistas de la
Argentina : Casa Trece, El Basilisco, Espacio Vox, Estudio 13,
La Baulera , MACUNaM,
La Mandorla
y Parientes del Mar con el propósito de generar un espacio de diálogo e
intercambio, para compartir esfuerzos, inquietudes y dudas tendientes a
expandir la tarea específica de cada grupo hacia un sentido más amplio. Queremos
hacer hincapié en la naturaleza del recorte realizado, ya que los proyectos
presentados conforman un número limitado en el marco de las numerosas y
diversas propuestas que trabajan en este sentido. El foco de nuestra selección
estuvo, paradójicamente, puesto en la amplitud de las propuestas ya que, si
bien nos interesó especialmente el trabajo de cada uno, lo que priorizamos fue
ante todo cierto espíritu de representación regional, de modo tal que se
continúe alimentando la circulación de experiencias, logros y problemáticas
comunes a las diferentes zonas de nuestro país.
Artistas etc. Muestra
La muestra
“Artistas etc”, se inauguró el viernes 10 de agosto de 2007, en el Museo
Municipal Sor Josefa Díaz y Clucellas de la ciudad de Santa Fe. Participaron de
la exposición colectiva artistas que forman parte de los proyectos de
autogestión convocados. Las características de las producciones expuestas abrieron paso a la
posibilidad de cuestionarnos acerca de la naturaleza de las prácticas
artísticas contemporáneas. Mientras algunos artistas presentaron sus trabajos
realizados de manera individual, otros expusieron proyectos grupales u obras de
otros artistas proponiendo que la misma gestión o la curaduría pueden ser
“obras”. Es en este sentido que la muestra se presentó como un disparador que
potenció la problematización acerca de las múltiples relaciones que los
artistas involucrados en este tipo de proyectos colectivos establecen con la
propia producción artística.
A través de esta muestra no buscábamos únicamente la presentación de producciones
visuales de autores insertos en contextos de acción colectiva con propuestas
variadas, sino que además intentamos evidenciar diferentes ideas acerca de
aquello que llamamos obra (de arte). Los artistas y
colectivos que participaron de la
muestra son:
Aníbal Buede, Casa Trece. Córdoba
Gustavo López, Espacio Vox. Bahía
Blanca
Ana Porchilote, Espacio Vox. Bahía Blanca
Alejandra Hernández, Estudio 13. General
Roca
Fernanda Hernández, Estudio 13.
General Roca
Francisco Riveros, La mandorla. San
Juan
Julia Acosta, Parientes del Mar. Paraná
Francisco Vásquez, Parientes del Mar.
Paraná
Marco Bainella, Parientes del Mar. Paraná
Maximiliano Peralta, MAC-UNaM. Misiones
Mauro Koliva, MAC-UNaM. Misiones
Pack, La Baulera. Tucumán
El día que me quieras. La Baulera.
Tucumán
La musicalización
de la muestra estuvo a cargo de
D.J. Buenmozo de la ciudad de Santa Fe
Artistas etc. Encuentro I
El primer
encuentro
se desarrolló el sábado 11 de agosto de
2007 en el Museo Municipal Sor Josefa Díaz y Clucellas. Participaron
del mismo, representantes de cada uno de los proyectos de autogestión
convocados, quienes presentaron las particularidades del trabajo que
desarrollan, exhibieron registros visuales sobre las actividades que realizan,
y a su vez analizaron el estado de situación de cada emprendimiento. Por
último, abordaron la problemática del financiamiento ya que es un tema
importante y determinante a la hora de pensar en la continuidad de trabajo de
los proyectos.
Esta instancia se propuso como un
dispositivo de intercambio de ideas acerca de las relaciones diversas que se
establecen entre la propia producción de cada artista y ese cúmulo de tareas
paralelas que realizan como ser la producción teórica, la docencia, la gestión
y la curaduría, entre otras.
Más allá de afirmar que los artistas
que desarrollan este tipo de iniciativas pueden ser considerados
artistas-gestores, porque amplían el campo de su trabajo a otros, nos
preguntamos si no se involucran con la gestión también aquellos artistas que,
de manera individual buscan recursos para producir y generan estrategias para lograr
su inserción en el mercado o para otorgarle visibilidad a la obra. Es a partir
de esta duda que propusimos la realización del segundo encuentro.
Artistas etc. Encuentro II
El segundo
encuentro
se realizó el viernes 24 de agosto de 2007 en la Escuela Provincial
de Artes Visuales Juan Mantovani. Fueron
convocadas
para esta instancia artistas locales, que presentan características disímiles
en cuanto a los modos de construir sus carreras profesionales, para que
presenten sus experiencias vinculadas a los espacios formación y perfeccionamiento
por los que transitaron, las relaciones con las instituciones y el mercado a
nivel local y nacional, las estrategias
que desarrollan para posibilitar la visibilidad de su obra y los tipos de
relaciones que establecen con otros artistas y teóricos (locales, regionales,
nacionales).
Las artistas Graciela Arce, Nidia
Andino, Carolina Porral, y Nilda Marsili y Raquel Minetti (Grupo el Gorgojo),
exhibieron sus producciones, manifestaron sus experiencias e intercambiaron
ideas junto a las coordinadoras de
Germina Campos y el público presente, acerca de la actualidad de las prácticas
artísticas en nuestro país
[1] Ricardo Bausbaum, San Pablo, Brasil, 1961. Artista y teórico,
gestor de Agora, en Río de Janeiro, Brasil.
///
PARES DISCONTINUOS
Espacio Imago- Artistas
Fernanda Aquere - Nico Sara / Sandra
Carriel - Lucas Mercado / Marco Bainella - Carlos del Rey / Diana
Marchetti - Rosana Storti / Ponchi - Cintia Clara Romero / Graciela
Arce - Natalia Zárate
En red- Artistas
Macías - Machuca / Chiachio y Giannone – Cáceres / Tavolini (quien vincula su obra Acerca del estudio de los protagonistas con la serie Natural History de Damien Hirst) / Tschanz - Schamber / Lanzi – Quintana / Martínez – Rodríguez / Ponchi (quien vincula su producción actual con la fotografía de David Hockney) / Vallejo - Pisacco.
En red- Artistas
Macías - Machuca / Chiachio y Giannone – Cáceres / Tavolini (quien vincula su obra Acerca del estudio de los protagonistas con la serie Natural History de Damien Hirst) / Tschanz - Schamber / Lanzi – Quintana / Martínez – Rodríguez / Ponchi (quien vincula su producción actual con la fotografía de David Hockney) / Vallejo - Pisacco.
Curaduría
Germina Campos
Pares discontinuos
Por:
Germina Campos
Este proyecto se inaugura paralelamente en dos espacios, uno virtual y otro físico.
PARES DISCONTINUOS EN EL SITIO WEB www.germinacampos.com.ar
A través del mismo intentamos vincular
a artistas visuales distanciados teniendo en cuenta sus lugares de residencia,
sus contextos de producción, sus heterogéneas relaciones con el mercado, sus
desiguales trayectorias, pero que a pesar de todo producen obras que están
atravesadas por un espíritu común.
Hemos invitado a 10
artistas argentinos, y a través de dos ellos citado a dos artistas
internacionales, reunidos en 6 pares, con el objetivo de dar cuenta de sus
intereses, conflictos y afinidades estéticas, intentando provocar el diálogo de
las obras a partir de un concepto conector en cada caso. Los pares presentados
plantean acercamientos sutiles, búsquedas compartidas, intenciones paralelas,
aunque este punto de encuentro no sea en todos los casos una evidencia formal o
una revelación estética.
Los artistas convocados
son: Viviana
Macías - María Elena Machuca, Leo Chiachio y Daniel Giannone – Juan Maximiliano
Cáceres, Alejandra Tavolini (quien vincula su obra Acerca del estudio de los protagonistas con la serie Natural History de Damien Hirst), César
Tschanz - Mercedes Schamber, Federico Lanzi - Emiliano Quintana, María Laura Martínez - Yamandú
Rodríguez, Ponchi (quien vincula su producción actual con la fotografía de
David Hockney) y Horacio Vallejo - Pablo Pisacco.
PARES DISCONTINUOS es una
cadena de relaciones estéticas, una acumulación colectiva de saberes y
experiencias, una posibilidad de reivindicar las prácticas que no se detienen
en espacios asegurados.
Viviana
Macías - María Elena Machuca: Acción sobre el entorno.
Ambas artistas se vinculan a través de
los procedimientos que ponen en práctica para producir sus obras, mientras lo
que las distancia es la locación del paisaje que cada una elige como soporte de
sus producciones.
Viviana trabaja en el delta del río
Paraná, en la provincia de Buenos Aires y María Elena, en espacios no urbanos a orillas del
Arroyo el Rey y del Río San Gerónimo, en el norte de la provincia de Santa Fe.
La producción artística de ambas se
desarrolla a través de acciones en el espacio natural: performances e instalaciones,
fotografías, videos, dibujos, mapas, objetos y escritos.
Macías realiza investigaciones y experiencias (sociales y
culturales) con un grupo de artistas con el que dieron origen al proyecto Archivo vivo.
A partir de encuentros en una isla del delta articulan intervenciones
con la producción de objetos, imágenes y escritos, que circulan a través del
registro en otros espacios físicos y en el blog www.archivovivo.blogspot.com,
que funciona como sitio de intercambio y corpus de obra.
María Elena Machuca produce formas
cerámicas simples que luego agrupa de a cientos en el paisaje natural, creando
una especie de invasión inorgánica que luego fotografía. El contexto social,
cultural y artístico en el que está inmersa le brinda escasas posibilidades
para mostrar su obra o tener contacto con otros artistas ya que vive en una
localidad pequeña, hecho que la incentivó a crear Barro y papel, un espacio que funciona como taller y lugar de
exposiciones.
Leo
Chiachio & Daniel Giannone - Juan Maximiliano Cáceres: Imágenes en clave amorosa.
Leo Chiachio
& Daniel Giannone residen en la ciudad de Buenos Aires y su trabajo es
reconocido en el circuito nacional. Juan Cáceres vive en la ciudad de Santa Fe,
es autodidacta y recién inicia su carrera artística. Pero más allá de estas diferencias que los ubican en situaciones
de producción muy distantes, sus obras pueden asociarse por la utilización de
materiales semejantes y por la jerarquía que cada uno de ellos atorga al
trabajo artesanal.
Leo
Chiachio & Daniel Giannone son artistas de trayectoria que trabajan de
manera conjunta y paciente generando imágenes a través de
técnicas tales como el bordado, el encolado, la aplicación de purpurinas y los
tejidos de crochet, provocando una explosión de colores que dan un carácter
festivo a sus obras de obsesiva elaboración, en las que se manifiesta la
destreza de su oficio.
Es su particular mundo
imaginario el que plasman en sus obras, y son ellos y su entorno afectivo los
protagonistas. Utilizan sus propias fisonomías provocándose una mutación de
identidad, pasan de ser parejas de chinos o samuráis, guerreros o próceres
argentinos, pero siempre en una clave amorosa. Los artistas entrelazan el arte
y sus vidas y así rinden homenaje a sus seres amados.
De modo semejante Juan lo
hace con sus afectos y recrea sus vivencias de infancia en la serie Lo que soy.
Juan
experimentó desde niño fascinación por las lanas y por las creaciones que estas
permitían. Hoy elige este material para elaborar sus obras encolándolas sobre
superficies rígidas. Utiliza el color y la ausencia del mismo de manera
simbólica, otorgando a sus personajes reales, anónimos o imaginarios una
contundente carga emotiva.
Alejandra
Tavolini - Damien Hirst: Acerca del
estudio de los protagonistas.
En la obra Acerca del estudio de los protagonistas Alejandra compra y coloca
en urnas con solución de formaldehído vacas, terneros, cerdos, tiburones y
ovejas de peluche, tomando como hipotexto la serie Natural History realizada por el paradigmático artista
contemporáneo británico Damien Hirst.
Tavolini trabaja sobre las diferencias
que emergen en relación a las condiciones de trabajo y circulación de las obras
de cada uno, las de Damien Hirst
creador de obras de tamaño monumental y de enorme costo de producción,
cotizadas en millones de libras esterlinas, y la suya propia como artista
argentina.
Cesar Tzchanz - Mercedes
Schamber: La desmesura de lo aparente.
Sus pinturas funcionan
como un registro sensible de las estrechas relaciones que cada uno sostiene con
el medio natural que los rodea. Ellos no se conocen y viven actualmente a más de
mil kilómetro de distancia, Mercedes en el sur del país, Cesar en el noreste
argentino.
Tschanz elabora su obra a partir de la
observación de su entorno natural en la provincia de Corrientes, espacio
geográfico que actúa como soporte conceptual de la misma. En torno a la idea de
que el hombre es el hacedor del lugar que habita, se apropia de la expresión complexus: lo que juntos ha sido
tejido. Observa (con admiración) e indaga sobre las operaciones que demanda
la construcción de nidos, acción que transfiere a la expresión pictórica de
manera rigurosa con un preciosismo exacerbado, las celdas-úteros y las formas entrelazadas-tejidas definen la estética de su obra. César opera sobre territorios
irregulares de tal forma que las figuras orgánicas complejas se expanden sobre
el muro-soporte.
Mercedes, establece vínculos entre la subjetividad de sus
percepciones interiores, la objetividad del mundo exterior natural que observa
con detenimiento y las imágenes imprevisibles
que se le presentan en el proceso
de construcción de la obra. Instaura un juego entre el azar y el
cálculo, en el que cada figura entra en una combinatoria infinita y
controlada. La proyección de formas orgánicas produce una estructura bajo
determinadas reglas de composición generando una trama compleja sobre una
superficie regular.
Ambos artistas construyen una imagen
ambigua que se genera entre lo que se ve y lo que parece, dando lugar esto a
múltiples lecturas.
Federico
Lanzi - Emiliano Quintana: Guardianes del
espacio.
Federico produce imágenes combinando
la fotografía digital y el dibujo, en las que se incluye asumiendo el rol
protagónico de defensor urbano que lucha contra pandillas de robotines que
acechan la ciudad (en este caso Paraná, su ciudad natal). Emiliano a través de
la construcción pictórica de sus guardianes evoca la protección de espacios
especialmente significativos para él.
Así, ambos artistas, asumen a través
de sus obras la tarea de proteger sus espacios deseados.
María Laura Martinez - Yamandú Rodríguez: De la candidez al descaro.
Ambos artistas se
encuentran en el lugar sobre el cual apoyan su mirada: el cuerpo y su desnudez.
Uno lo registra en el encuentro amoroso
de los amantes, invadidos por el placer. El otro lo fotografía
despersonalizado, sin rostro y casi objetualizado, entregado a la mirada del
espectador.
Lali Martínez registra a
través del dibujo relaciones de parejas en situaciones amorosas. Ella se considera
una paparazzi del amor, investiga, observa, pregunta acerca de los modos
posibles del amor. Sale a la calle con actitud voyeurística y se entusiasma mirando como chicas y chicos se
besan, se miran, se acarician para luego dibujar lo husmeado; otras veces opta
por recurrir a sus amigos y conocidos, e indagar sobre cómo hacen el amor. Toma
nota de la vida íntima de los demás y después viene el dibujo que generalmente
construye con plumín y tinta china (porque no le gusta borrar, dice).
Yamandú fotografía cuerpos de mujeres,
sin interesarse por sus rostros, en situación de strip teases fragmentarios.
Las modelos no son profesionales y ninguna cobra por posar, las conoce
generalmente a través de msn y rara vez se vuelve a encontrar con ellas después
del día de la sesión. Las fotografía en sus casas o en lugares pautados, a
veces en el backstage de recitales de punk rock, en baños o en cualquier lugar en
el que haya privacidad. Usa cámaras baratas, una digital sony de 4 megapixeles
y una cámara analógica que le regalaron en el supermercado a su mamá por
comprar una gaseosa.
Ponchi
- David Hockney: Del pop británico al
paisajismo litoraleño?
Ponchi, a través de sus obras, intenta
acercarse a los problemas relacionados con los modos ver. Para esto utiliza
como hipotexto la obra fotográfica de los años ochenta de David Hockney. De
esta manera, él parte de fotografías
digitales de formas naturales características de la flora del litoral para
luego desestructurar la lectura habitual de las imágenes a través de
herramientas proporcionadas por el ordenador. En algunos trabajos también
incorpora textos del poeta entrerriano Juan L. Ortiz generando la conformación
de cartografías de sitios inciertos, florales y poéticos.
Horacio
Vallejo - Pablo Pisacco: Costuras
visibles.
Ambos artistas producen sus imágenes
recurriendo en primera instancia a la fotografía, para luego mediante un combo
de procedimientos (que van desde la
pintura y el collage, hasta el bordado y la costura) alejarse de los
mandatos de “lo real”.
Horacio registra con su cámara situaciones propias de la cultura urbana
de su ciudad: recitales de rock y escenas nocturnas en bares y discos, que
posteriormente recrea en un mix de líneas y planos resueltos con pintura e
hilos que forman densas superficies cromáticas.
Pablo, por su parte construye imágenes
utilizando casi exclusivamente el medio fotográfico como soporte. Retrata
escenas que rompe y vuelve a recomponer, casi como un intento obstinado de
reparar lo fragmentado. Así los trozos de fotos vuelven a reunirse en un nuevo
contexto en el que el artista incorpora formas cosidas generando una nueva
entidad en diálogo con la imagen original.
PARES DISCONTINUOS EN IMAGO
El
presente de las artes está definido por la proliferación de proyectos que se
deben a iniciativas de artistas, quienes, más allá de desempeñarse como
productores individuales de imágenes y objetos, han comenzado a generar
espacios de encuentro e intercambio, plataformas de acción colectiva. En este marco,
el Espacio Nómade de Gestión Cultural “Germina Campos” convoca a 12 artistas de
la región con el objetivo de dar cuenta de sus intereses, conflictos y
afinidades estéticas.
“Pares
discontinuos” es una muestra colectiva diseñada con la intención de proponer un
recorte en la escena del paisaje artístico de la región, seleccionando artistas
vinculados con las prácticas y problemas del arte contemporáneo.
Los
artistas convocados están reunidos en pares que plantean acercamientos sutiles,
búsquedas compartidas, intenciones paralelas, aunque este punto de encuentro no
sea en todos los casos una evidencia formal o una revelación estética.
Estos
autores se relacionan afectivamente, en algunos casos, lo que nos induce a
pensar que entre ellos existe una posibilidad de diálogo más allá de la obra
misma; mientras que en otros, no se registra relación personal entre ellos, y
es exclusivamente su obra la que funciona como nexo, es decir, es la obra la
que los acerca.
En esta
muestra subyace la intención de reconocer a los pares como referentes de
nuestro propio trabajo, asumiendo la convicción de que el artista contemporáneo busca sus estímulos y
vínculos estéticos no solo en los “genios del arte” citados en los libros, sino
por sobre todo en los artistas que están produciendo al mismo tiempo, en los
artistas con los que comparte modos de querer hacer en el arte.
Este deseo
de reunir las obras con las de nuestros pares deviene del pensar acerca de la
idea de autoría y el reconocimiento de las influencias de los demás, los que
nos rodean, a veces muy importantes y pocas veces reconocidas. No sostenemos la idea de autoría tradicional,
según la cual se asume que el autor crea desde la nada, sin historias, sin
referentes. Creemos que las influencias siempre están ubicadas en un tiempo y
un espacio específico, y construyen cadenas de relaciones, diálogos entre
personas a partir de obras.
“Pares
discontinuos” es una cadena de relaciones estéticas, una acumulación colectiva
de saberes y experiencias, una posibilidad de reivindicar las prácticas que no
se detienen en espacios asegurados.
Fernanda Aquere - Nico Sara: Figuras
sin fondo.
Los
artistas se vinculan por el concepto espacial que opera en sus obras, pero se
diferencian en cuanto que Fernanda trabaja sobre el espacio real y Nico sobre
la representación del mismo.
Fernanda
diseña instalaciones utilizando el muro como soporte. Para la construcción de
su obra recurre a la utilización de dedales metálicos que se agrupan, dispersan
y ordenan como una “plaga invasora” y a la proyección de sombras que se generan
sobre la pared por efecto de la luz, donde los objetos aumentan su visibilidad
y se multiplican.
En la obra
de Nico el espacio está representado por el soporte de las figuras que se
recortan del plano. El artista utiliza un esquema morfológico compositivo que a
manera de módulo se repite en cada una de sus obras. La forma singular centralizada en el plano se
carga de significación según la intención del artista, mutando en rostro,
casco, indumentaria, casa ó árbol, haciendo que la misma se sustente en un
espacio silencioso que se define por la oposición de llenos y vacíos.
Graciela Arce - Natalia Zárate: La ficcionalización de la vida propia.
Graciela
recurre a la utilización de un personaje maravilloso, mágico, una
super–heroína: la mujer maravilla, que funciona como mascarada para referenciar
su propia infancia. Mientras que Natalia se constituye a sí misma en personaje
de su obra, valiéndose de la utilización de un globo para elaborar un guión que
nos permite acercarnos a su propio modo de experimentar las relaciones amorosas
y el conflicto subyacente a la condición de ser niña o ser mujer.
Unidas por
trabajar con la autorrefencialidad, estas artistas crean personajes traslúcidos
que las enmascaran pero que no ocultan su intimidad.
Marco Bainella - Carlos del Rey: La imagen real, la imagen mental.
Ambos
artistas están unidos por la acción constitutiva de sus obras: producir
imágenes a través del quehacer fotográfico, aunque las intenciones implícitas
en cada uno de ellos difieran en los procedimientos utilizados y en los
conceptos convocados.
Carlos
genera imágenes abstractas a través de la utilización de la cámara fotográfica
como instrumento, tornándose en un experimentador de las posibilidades, un
inventor de espacios, un fotógrafo insatisfecho con las posibilidades que le
ofrece el mundo real.
Marco cita
de manera textual lo que quiere retratar, es decir, fotografía con la palabra,
evoca una imagen de su entorno y a través de la mera “enunciación duchampiana”,
genera una visibilidad que se construye en cada uno de los espectadores.
Sandra Carriel - Lucas Mercado: La línea, registro de espacios privados.
Lucas y
Sandra recorren caminos, dibujando con su andar, dejando indicios que nos
permiten encontrarlos. Sus obras se constituyen en diarios íntimos visuales a
través de la recurrencia a la propia vida como fuente de alimentación
artística.
Lucas
recurre a la exploración de su cotidianeidad como imaginario para luego
producir, a través del dibujo, un mix de formas y textos que, reordenados,
generan nuevos episodios de su vida en los que la veracidad y el simulacro se
confunden a su antojo.
Sandra
presenta, a manera de álbum familiar, pinturas producidas con telas, nylon,
costuras y bordados, realizadas a partir de fotografías que la muestran en
situaciones de felicidad, reafirmando la importancia de lo afectivo a través de
la evocación de amigos, familiares y referentes.
Diana Marchetti - Rosana Storti: La
pintura con pintura; la pintura sin pintura.
Las
artistas se vinculan a partir de sus prácticas pictóricas, pero se distancian
en relación a la elección de los materiales y en el modo de involucrarse con el
espacio.
Diana
pinta “con pintura” sobre bastidores de tela, invadiendo el plano con figuras
de color pleno que se yuxtaponen generando un todo de minuciosa construcción y
obsesiva composición. Su obra constituye una tensión entre la rigurosidad del
cálculo matemático y la sensibilidad implícita en el rito que implica su
relación con la pintura.
Rosana
“pinta” con retazos de telas deshilachadas que selecciona de manera meticulosa
y las organiza en gradas de color que remiten a ejercicios de estudio. La
textura y el color dispuestos de manera plana involucran al espacio a través de
su disposición.
Diana
construye una pintura que nos remite a un material textil, mientras que Rosana
utiliza el material textil para pintar.
Ponchi - Cintia Clara Romero: El paisaje oculto.
Ambos
artistas utilizan la fotografía del paisaje como primer recurso en la
realización de sus obras que posteriormente devienen en dibujos, pinturas y
fotoinstalaciones.
Ponchi
construye sus obras a partir del relevamiento fotográfico del paisaje del
litoral para luego, a través de nuevas tecnologías y técnicas de
representación, resignificarlo en imágenes que simulan cartografías sensibles,
mapas personales. La imagen de lo micro deviene en macro generando mapas
ficticios donde se incorporan discursos poéticos que permiten el diálogo entre
lo visual, lo formal y la palabra.
Cintia
utiliza el viaje como medio para realizar registros de paisajes reducidos con
una mirada no habitual para el imaginario del turista. Sus imágenes de
cultivos, flores, frutas, cielos y aguas se rehúsan a conservar la referencia
con el espacio que las contiene, poniendo en situación de igualdad una imagen
capturada en el patio de su casa con una obtenida a miles de kilómetros de
ella. La mirada detenida sobre lo mínimo y la hiperbolización del detalle se
constituyen en indicios de que el viaje exterior sólo es excusa para llegar a
un destino interior e íntimo. El montaje de las fotos y su puesta en relación
con otros objetos dispara múltiples significaciones.
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